摄影师Vs.艺术家：一个关于殖民的故事

老安

作者：Ekaterina Degot 译/陈嘉莹

在这里，我将以一个策展人、一个作者、以及最重要的以教师（因为我曾在学院带过很多年摄影系和艺术系的学生）的眼光，讨论一些摄影和所谓的当代艺术之间复杂关系的内在悖论，这种探索我认为有必要以破碎的途径（fragmented way）去实践。说句题外话：莫斯科罗德琴科（Rodchenko）摄影以及多媒体艺术学院是一所研究型学院，或者更确切的说，是一个另类的艺术学院。它身处的这个国家，在专业艺术教育中仍在培育十九世纪时期的学院派画家。摄影被广泛提起，但只局限于商业广告的领域。我看着这些年轻人在他们各自作为摄影师和艺术家生涯的惶惶无措的开端，让我在这两个最终会变得模糊不清的系别之间发现了一些有趣的事。那就是，不管这两个专业在最后有多少重叠，学生在开始时是非常不同的。

摄影师之流经常看起来天真且朴实。好比他们会用“将美和喜悦带进人们的生活”这样的修辞，但我会痛心地告诉他们如果带着这样的期望对摄影生涯是毫无帮助的，相反，他们应该选一个大相径庭的词对摄影做出描述。我建议他们承诺去“惹怒”（disturb）和“挫败”（frustrate）一些无知观众，而这并不意味着他们需要改变自己所创造的图像（PeterFischli和David Weiss就把猫和花拍的十分沮丧无助）。至于那些已经尝过当代艺术滋味的摄影师们，他们知道他们必须对无知大众表现出漠不关心的蔑视。虽然他们声称自己对社会是有益的|sociallyuseful|——这个声明是用极端复杂的语言做了最准确的描述。随之，当代艺术以类似的修辞技巧出现——一个解释所行之事的工具——而这些则是摄影师之流不擅长的，但摄影师们所做的事多多少少刚好和日益膨胀的当代艺术框架相符。

在他们对观众疑惑的漠不关心中，专注的当代艺术家似乎被个别消费者独特的逻辑对象所保护着。这一对象虽然离他们的录像装置很远，却仍处在艺术家的范畴当中。数码摄影师或是非数码摄影师都乐于分享和交流。他们对成为“艺术家的艺术家”不抱太大希望，也没有准备刻意向虚构的观众呈现费解的艺术。并且，这并没有使年轻摄影师在数量上比立志成为杰出艺术家的人更左派，事实上，反之却然。

老安

我们学院曾被认为是“纯摄影”学院，这一形象在近几年转变了很多，但也并没有完全转向多媒体艺术学院。这也是我们的学生所走的道路：在第二学年末（总共有三个学年），一半声称自己是摄影师的学生决定完全戒掉媒介的瘾而满腹激情地转向录像和表演艺术。可能是我们作为老师的，经常向他们反馈一种自我厌恶的情绪，一种令人恐惧的怀疑——这种怀疑认为摄影学院、摄影画廊、摄影博物馆或是摄影双年展是自我欺骗的犹太集中营。谁能忍受一个在当代艺术领域里创办的水彩画学院呢？
但这是一个错误的困境。选择摄影还是当代艺术在逻辑上是不通的。难道摄影不就是当代艺术么？（现在还有什么能比按快门这一行为更当代？）有时候，事实的确如此，但有时候，摄影沦落为“当代”却和“艺术”沾不上边，只是作为艺术领域之外的某种承载物（像是护照相片或是一份文件拷贝）。如苏珊·桑塔格的那句名言所说，摄影基本上是一种可以传递任何意义的通用语言。不像水彩画，摄影是等测成像的，它的概念小于艺术（因为他是当代艺术的其中一种媒介）又大于艺术（因为它在艺术和非艺术领域都会被用到）。而当我的摄影系学生为自己还不够格成为艺术家而感到自卑的时候，在当代艺术的逻辑中，他们其实应该为此感到自豪。他们并不知道，他们拥有当代艺术家身上罕有的东西——一个不往艺术方向偏颇的态度以及一种对真相的诉求（虽然这种诉求可能永远无法得到满足）。
然而，虽然二十世纪的摄影经常被看作像亚历山大·罗德琴科（Alexander Rodchenko）那样的先锋派艺术家作为企图逃脱“学院派”艺术陷阱的途径，当今的摄影术却成为一个相当“古老”的学科（数码摄影已经被化入其中，更不用说早期的化学照相术）。艺术的残留物正是隐藏在这里。至少在我的那群摄影系学生当中，技术被再次强调，传统的态度保留了下来，个人的审美得到赞赏，创作者往往看重传统和风格而不是作品的商业价值。

老安

我的摄影一年级生一般都痴迷于稚嫩的“街景拍摄”并十分推崇美景（vision）。我的艺术系学生则将艺术看作陈旧的先锋派媒体批判和反视觉（anti-retinal）的实验（简单地说，就是你什么也看不到，或者，你看到的一切都不相干）。在这两者之间有一种智慧上，甚至是阶级上的不平等，甚至类似于殖民统治的关系。艺术喜欢摄影这一媒介，因为它十分“简单”，不“矫揉造作”（non-artsy），十分“直接”。出于同样的原因，艺术也不总是看好摄影的，因为摄影师开始渐渐厌恶自身以及自己所声称的“返璞归真”。艺术家之流从很早就开始讨论使用让摄影师感到神经紧张的摄影术。艺术家在建立他们众多的“研究装置”和“图像拼接”时，充当了策展人的身份。摄影师们则怀疑他们自身很快就会被他们的同年级艺术生客体化（objectified）以及器具化（instrumentalized）。
典型的年轻摄影师相信要成为当代艺术家需要一个“补充”——空间的（某种特别的装置：一本书，在其他物之间）或是时间的（将照片变成序列的幻灯片，加上音效或是文本）。而其中最紧要的是重新获得展示以及叙事的控制权。这难道不像自我殖民和自我剥削么（摄影师也正开始使用自己的快照）？是否这里面也有去殖民化的策略？在艺术和艺术展览里面直接的摄影到底能够拥有怎样的位置？毕竟，当代艺术最先是受摄影启发的，是库尔贝式的现实主义。这样直接且带民主倾向的图像，被先锋派和媒体批判的态度夺去了光彩。摄影现在还有机会重新回到原来的位置么？